INSTANTANEAS NAVIDEÑAS IN THE WORLD

La tónica de las fechas sigue imperando y para asomarse a la Navidad nada mejor que hacerlo detrás de un objetivo.

Yo no he podido viajar cámara en mano, pero viajando por el ciber espacio, he encontrado unas fotos muy bonitas de ciudades del mundo iluminadas y adornadas con decoración navideña.

Yo os dejo tres ciudades que me robaron el corazón, puedes ver más en Sobrefotos y 20minutos.

Como curiosidad comentar que la foto correspondiente a Trafalgar Square, Londres, es de un acto que se repite año tras año desde 1947. Se celebra que Noruega dona un árbol como recuerdo al agradecimiento de la ayuda prestada por Inglaterra durante la II Guerra Mundial.

CINE: DIRECCION DE FOTOGRAFIA

Inauguro una nueva sección en Flasearte: CINE.
Y que mejor paso de la fotografía al cine que haciendo referencia a la figura del director de fotografía.

La dirección de fotografía es la disciplina cinematográfica referida a las elecciones técnicas de iluminación y cámara durante la creación de una obra audiovisual. Se relaciona estrechamente con el arte de la fotografía aunque hay muchas cuestiones añadidas y diferencias entre ambas dadas las características de cada medio. En cine, el director de fotografía es la persona responsable de la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas. La labor que se lleva a cabo es la toma de decisiones respecto a la iluminación, ópticas, encuadre y composición, texturas, etc., en la creación de la imagen de la obra. Este trabajo se realiza mano a mano con el director y con otros miembros del equipo, como el director artístico, maquillador, diseñador de producción, etc. Entre ellos se llega a acuerdos respecto al tipo de imagen que requiere la historia y el modo de llegar a ella, dependiendo del género, la intención que se quiere transmitir, el tono, etc.
Este trabajo parte de la elección de los rollos de celuloide o el sensor digital. A lo largo del tiempo se ha producido una gran evolución en la mejora de las emulsiones y estructura del grano. Por lo que la elección del negativo es importante para que se adapte al tipo de producción, con respecto a la estética. En el mundo digital ya no puede aplicarse la elección de la emulsión, pero las cámaras tienen parámetros ajustables que van más allá de las elecciones del negativo.

REGALA FOTOGRAFIA EN NAVIDAD

Las fechas y la visita de los tres señores de oriente que llegan año tras año, imperan en la tradición del consumo de los regalos, pero, ¿quién puede quedar al margen? Y en vistas a que no se de nadie que conteste con un gran YO a mi pregunta, os voy a dar una idea: REGALA FOTOGRAFIA.
Regala sesiones fotográficas para tener un book propio, álbumes para guardar recuerdos, material fotográfico, y todo tipo de objetos personalizados con tus instantáneas preferidas como: calendarios, tazas, cojines, bolsas de almuerzo para niños, velas etc. ¿Cómo, no sabes como hacerlo? Pues pásate por Salzilloimagen y ellos se encargan, allí tendrás donde buscar y atención personalizada.
Salzilloimagen se encuentra en: C/Arquitecto Emilio Piñero, 12(cerca de la escuela de Artes y Oficios).Murcia.
Tlfn: 968232654

JACQUES HENRI LARTIGUE

Jacques Henri Lartigue(1894-1986), pintor que por hobby se acerca a la fotografía convirtiéndose en uno de los fotógrafos más particulares de la historia. Siendo una importante influencia para fotógrafos como Henri Cartier-Bresson, Richard Avedon o Helmut Newton.

Se inició con la cámara Brownie de Kodak que su padre le regaló a la edad de 7 años, a comienzos del SXX.
Gracias a la sólida riqueza familiar el joven disfrutó de una vida sin preocupaciones. Sus fotografías son un gran documento histórico acerca de la vida burguesa de principios de siglo.
Captura con su cámara los paseos de los parques de París en la belle époque, la gente disfrutando de la playa en los balnearios en la Costa Azul, los deportes de invierno en Saint Moritz, los acontecimientos de la revolución tecnológica, las carreras de automóviles, los comienzos de la aviación, etc.
Según la critica en su trabajo fotográfico se valora la espontaneidad, la sinceridad, el juego, la felicidad y la alegría de vivir como consecuencia de la inocente mirada de un fotógrafo adolescente.
Lo más llamativo es que consiguió preservar ese mismo espíritu a pesar del paso del tiempo. Se le consideró como a la fotografía amateur, coleccionista de momentos, de instantes del presente para impedirles disolverse en el olvido.

MALA UTILIZACION DE PHOTOSHOP

Actualmente contamos con miles de materiales e instrumentos para mejorar y conseguir los resultados deseados en cuanto a fotografía. El utilizar unos frente a otros en cuestión de preferencias. Pero siempre debe entrar en juego el sentido común y no perder ciertos aspectos de vista.
Esta entrada quiere hacer una crítica a los que perdieron ese sentido común, utilizando desmesuradamente la herramienta de Photoshop, en tantas y tantas imágenes.

Reciente mente surge la polémica por la portada protagonizada por La actriz Demi Moore en la revista estadounidense de "W", donde se puede observar que el ancho de su cadera no se corresponde con el ancho de pierna. ¿Natural o Photoshop? La pregunta queda lanzada, podeis leer más en: noticia.

JULIA MARGARET CAMERON

La inglesa Julia Margaret Cameron (1815-1879) fue una de las pocas mujeres de las que se tiene conocimiento en los comienzos de la fotografía. Se inicio por afición gracias a que su hija mayor le regaló una cámara para entretenerse en los largos periodos que su esposo estaba fuera a causa del trabajo.
Del hobby pasó casi a la obsesión, desde su primera foto, “Annie, My First Success”(1864), hasta su fallecimiento no dejó de hacer fotografías, trabajando de manera independiente y sin ánimo de lucro, usando el medio como fin artístico y libre de los cánones estéticos de la fotografía profesional de la época.
Al igual que el fotógrafo Nadar, retrató muchos personajes célebres de la época, la más famosa de sus modelos fue Julia Jackson, la madre de la escritora Virginia Woolf.
Le interesaban los retratos de mujeres en actitud introspectiva y contemplativa. Cultivó la fotografía alegórica academicista, ilustrando temas religiosos, literarios, poéticos y mitológicos conde en la mayoría de ocasiones los protagonistas eran sus familiares.
De su obra destacamos la pasión que ella misma sentía hacia la belleza del ideal femenino, aspirando a retratar la vida interior o “esencia espiritual”. Para ello se valió del flou, un efecto borroso mediante la aplicación de filtros en el objetivo, que sumía a las figuras en una cierta neblina que conseguía un aspecto vaporoso, sensación de pureza y melancolía.
Sin embargo su reconocimiento llegó póstumamente. Cameron se encontró con el rechazo de muchos de sus contemporáneos, criticándola por la imperfección de su técnica, su condición de amateur y la utilización del flou, impidiéndole entrar en la London Photographic Society. Pero sus fotografías han resistido el paso del tiempo y está considerada como una de las figuras que contribuyeron a lograr el estatuto artístico de la fotografía.

ILUMINACIÓN

Para la fotografía la iluminación actúa como factor imprescindible a la hora de captar instantáneas y es un gran elemento expresivo, pues ayuda al fotógrafo a resaltar los aspectos más significativos, tanto del escenario como de los modelos, creando escenas que transmitan diversas sensaciones.
Según la fuente de la que provenga la luz, podemos distinguir entre: luz natural y luz artificial. Y a raíz de esta premisa se abre un amplio abanico según la posición de dichos focos de luz. Para saber más puedes visitar:
Fotonostra o Iluminación en fotografía.
Para iluminar es importante seguir un esquema y para todos los que os interese, he encontrado un enlace donde aparecen ejemplos sobre la colocación de la cámara y los focos de luz con respecto al sujeto.
Enlace: Fotopunto.

BLANCO & NEGRO: RAMÓN MASATS

Ramón Masats, nació en Caldes de Montbui (Barcelona), en 1931.Su interés por el mundo de la fotografía comienza durante el Servicio Militar, donde aburrido descubre la revista Arte Fotográfico. Adquiere una cámara con el dinero que le sisa a su padre, hace sus primeras fotos y se inscribe en el Círculo Fotográfico del Casino del Comercio de Tarrasa.
Se inicia en el camino del reportaje en 1953, un año más tarde ingresa en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, compartiendo vivencias con colegas como Ricard Terré y Xavier Miserachs.
En 1957 se instala en Madrid y recorre España trabajando como reportero para la revista Gaceta Ilustrada. Ese mismo año ingresa en el Grupo AFAL, y junto a fotógrafos como Gabriel Cualladó, Gerardo Vielba o Paco Gómez crea el grupo La Palangana.
Ha trabajado para diferentes revistas y expone su trabajo tanto en exposiciones individuales como colectivas.
En 1960 recibe el Premio Negtor de fotografía. También expone con el Grupo El Paso en la Sala Biosca de Madrid.
En 1964 publica Viejas Historias de Castilla la Vieja con Miguel Delibes, expone con Carlos Saura en la Galería Juana Mordó y realiza su primer documental Prado Vivo, que gana el premio especial en Tahormina.
En 1965 dirige El que enseña, con el que gana el Premio Miqueldi de Plata en el Festival de Cinematografía de Bilbao.
Se aleja de la fotografía durante dieciocho años para dedicarse a la realización de Documentales para TVE, donde la temática general suelen ser los pueblos de España y sus costumbres. Cierra esta etapa con la realización del largometraje: Topical Spanish, regresando a la fotografía en 1981 y desde entonces ha publicado diversos libros, realizado trabajos para empresas e instituciones, incluidos varios documentales para la Exposición Universal de Sevilla de 1992.
Son múltiples las conferencias y exposiciones, tanto retrospectivas como de sus trabajos más recientes, en salas como el Círculo de Bellas Artes, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o la Real Fábrica de Tapices en Madrid, el Palau de La Virreina en Barcelona, el Palacio de la Magdalena en Santander, la Galería Marlborough de Madrid o las sedes del Instituto Cervantes en diversas ciudades del mundo.

IRVING PENN

Fotógrafo americano que revolucionó la iconografía de la moda a mediados del siglo XX, falleció a los 92 años de edad el pasado octubre en su apartamento de Nueva York. Penn cambió para siempre el mundo de la moda, al unir arte, publicidad, vanguardia y sentido comercial, abriendo el camino a otros fotógrafos estrella, como Richard Avedon o Mario Testino.
A los 17 años comenzó a estudiar diseño en la Escuela Museo de Arte Industrial de Filadelfia. Fue director artístico en los grandes almacenes Sacks de la Quinta Avenida. Luego se interesó por la pintura y la fotografía, transformando la fotografía de moda con vanguardistas enfoques, sencillez, el uso agresivo del contraste en el blanco y negro, y el tratamiento de los retratados como objetos. Su arte se mostró por medio de sus colaboraciones con Vogue.
En esa época, gracias al artista ruso, Alexander Liberman, Penn se inició en el uso meticuloso del color y la forma en las composiciones, y el tratamiento de la imagen artística como un objeto industrial. Su primera portada para Vogue fue en octubre de 1943, cuando aquella revista todavía no tenía la costumbre de llevar a famosos a su primera plana. Liberman le pidió que tomara una imagen de moda, y el fotógrafo pidió una cámara prestada y arregló un bodegón con un bolso de piel y tela marrón, un pañuelo gris, una lámina con cítricos y una nota colgada en una pared en que se anunciaban los contenidos del mes: "zapatos y accesorios". Fue el lanzamiento de su carrera. Como gran característica se observa es su trabajo la sencillez del "menos es más". Cualquier objeto fotografiado puede ser arte y lo reflejó fielmente en su obra.
En su obra de madurez se alejaría de la influencia del surrealismo y la vanguardia que imperó en la fotografía de moda hasta los años cuarenta, para presentar imágenes impactantes en su sencillez, modelos sobre fondos inmaculadamente blancos.
A Penn se le ha criticado por llevar hasta el límite aquel enfoque tan centrado en mostrar a la persona descontextualizada, tras las fotos en Latinoamérica y África.
Sus obras, hoy en día, se exhiben en los principales museos del mundo, incluidos el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, el Moderna Museet de Estocolmo, la National Gallery de Washington y el Art Institute de Chicago. Trabajó para Vogue hasta el final de sus días. En uno de sus últimos trabajos, una foto de un pomposo traje de Christian Lacroix en abril de 2008, volvía a aquel estilo que le hizo famoso: una modelo posando, con los ojos cerrados, sobre un fondo de papel blanco, arte en su sencillez.

BLANCO & NEGRO: ORIOL MASPONS

Fotógrafo catalán nacido en 1928. Perteneció a la Agrupación Fotográfica de Cataluña.
En 1956 entró a formar parte del consejo editorial de la revista AFAL. Publicó varias fotos en Arte fotográfico con motivo de la obtención de varios premios en concursos; en 1957 en el número 61 de esa revista definió el término salonismo para denunciar un tipo de fotografía pictorialista que sólo trataba de conseguir galardones dentro de una estructura de jurados de concursos muy ortodoxos. Sus trabajos junto a los de otros fotógrafos como Xavier Miserachs y Ramón Masats, llamados la Nova Vanguardia fueron publicados en la revista Imagen y Sonido. su obra también se publico en otras revistas especializadas en fotografía como Nueva Lente, Annual Photography o Photography Year Book, así como en prensa y revistas generales como Gaceta Ilustrada, etc.
Ha realizado numerosas exposiciones y algunas de sus fotos están expuestas en el MoMA.
Ha ilustrado portadas de diversas colecciones de libros y sus fotografías han ilustrado muchas obras literarias como: Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca (1966), La caza de la perdiz roja de Miguel Delibes, Els barcelonins, con Xavier Miserachs y Colita (1981), entre otros.
Fue maestro de Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita y de otros significados fotógrafos.
En 2006 recibió la Creu de Sant Jordi.