CONCURSO LITERATURA

BASES DEL CONCURSO:

http://www.alcantarilla.es/cultura/certamen_literario_Jara_Carrillo.aspx

ANIMENSE Y PARTICIPEN!!!!

ILUSTRACIÓN: REBECCA DAUTREMER

Flasearte estrena nueva sección: ILUSTRACIÓN.

Y lo hago de la mano de la ilustradora francesa Rebecca Dautremer(1972). Diplomada en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París. Dibujante para prensa, cartelista, diseñadora gráfica y de juguetes. Ha ilustrado varios álbumes de otros autores y ha firmado algunos propios.
Algunos de sus álbunes son adaptaciones de cuentos tradicionales de diferentes culturas y épocas, dándoles un enfoque original y actualizado. Un ejemplo lo podemos encontrar en “Cyrano”, la obra literaria de Cyrano de Bergerac, la cual Dautremer ambienta en Japón.
Sus imágenes inundan todas las páginas de cada cuento, donde encontramos un predominio del color rojo a lo largo de su obra.
A pesar de que las obras de Dautremer están catalogadas para el público infantil, su estilo no se adapta a los cánones de libros para niños. Esto la convierte en una autora única y particular adoptando enfoques complejos.
Os dejo algunos enlaces para que admiréis su trabajo. Espero que os guste, a mi ya me enamoró.

Video en Youtube de imágenes de Rebecca Dautremer:

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&feature=related&hl=es&v=XAdFxUbaCUU

Web oficial:

http://www.rebeccadautremer.com/

PREMIOS GOYA 2010

Ayer se celebró en Madrid la fiesta del cine español. La gala contó con Andreu Buenafuente como maestro de ceremonia, quien vio peligrar su puesto por la aparición del muñeco de animación Pocoyo y la presencia de Rosa María Sardá, quien tantas otras veces realizó este papel.

Al igual que otros años el objetivo sigue siendo premiar las nominaciones a mejor: película, dirección, actor, actriz, actor de reparto, actriz de reparto, dirección novel, actor revelación, actriz revelación, guión original, guión adaptado, música, canción, fotografía, montaje, sonido, dirección artística, diseño de vestuario, maquillaje y peluquería, documental, cortometraje de ficción, cortometraje de animación, cortometraje documental, película extranjera de habla hispana, película europea, película de animación, dirección de producción, y efectos especiales.

Diferencias con respecto a ediciones anteriores, encontré bastantes. La gala gozó de más coherencia de guión, vestuario, decorado y videos de presentación. Hubo más participación de los asistentes, menos politiqueo, menos espacios desesperantes, agradecimientos muy familiares reverenciando las raíces de los premiados, una voz en off que ponía al espectador al corriente de ciertos detalles, ausencia de cortes publicitarios, una ciudadana anónima entregando un Goya, un director masculino después de las grandes féminas que capitanearon la academia, e incluso la reconciliación publica con la institución de Pedro Almodovar, quien entregó el Goya a la mejor película: "Celda 211".
La academia de cine español realizó una gala amena, el Goya de Honor fue para Antonio Mercero y se recordó a José Luis López Vázquez entre otros.

El presidente aludió al compromiso y el trabajo constante de todas las personas que trabajan en esta industria, animándolas a mejorar, dejando a un lado la idea de “estrellas”. Y se habló de la taquilla, que a pesar de la “crisis” generalizada, ha reconocido algunos de los trabajos, consiguiendo alejar un poco más la imagen de cine de destape y catetos con la que hasta hace unos años se identificaba al cine español.

Como siempre veo algunas nominaciones fuera de lugar, estatuillas que deberían estar en otras manos, pero entiendo que no se pueden ajustar todos los gustos. Eso sí, disfruté de la presencia de Jordi Mollá, al que había perdido la pista y celebro (porque “me encanta”) el Goya al mejor actor protagonista de Luis Tosar.

Nominados y premiados XXIV edición premios Goya

FOTOENCUENTROS

Desde el pasado lunes11 de enero y hasta el próximo 28 de febrero, podemos encontrar en Murcia, la nueva edición del festival internacional de fotografía Fotoencuentros10.
Un referente nacional de la fotografía contemporánea en el que participan prestigiosos profesionales nacionales e internacionales. Organizado en Murcia y Cartagena, el festival tiene la intención de contribuir a la creación de cultura fotográfica y al acercamiento de los autores contemporáneos de más sólida trayectoria a los ciudadanos, así como de apoyar a los jóvenes valores.
En esta décima edición reúne 17 exposiciones, además de talleres, conferencias, mesas redondas y un ciclo de cine.

Yo comienzo el visionado esta próxima semana!!!

PROYECTO ECO BOLSA

Hoy presentamos para la asignatura de Fotografía Publicitaria, la campaña institucional sobre la propuesta de concienciación de uso de las “eco bolsas”.

El trabajo es por grupos y el encargo ha consistido en la realización de una campaña y aplicación fotográfica con cartel y su adaptación en una bolsa de material libre. Siendo la imagen del cartel inédita, aunque se permitían retoques.

Esperemos que salga bien, suerte para todos.

"LESBIANAS Y MUCHO MAS"

Hanna Jarzabek, fotografa polaca(1976), residente en Barcelona, presenta su trabajo "Lesbianas y mucho más".

Polonia es un país muy tradicional en el cual la cuestión homosexual provoca a menudo reacciones de homofobia. La relaciones de las mujeres lesbianas en la vida pública es casi inesistente y la mayoría de la sociedad percibe sólo la dimensión sexual de sus relaciones.

Este reportaje muestra la vida cotidiana de estas mujeres tanto en su lado íntimo como en su contexto más social, incluyendo su activismo en asociaciones que luchan contra la homofobia en Polonia.

La exposición se inició el 23-12-2009 en Barcelona y finaliza el 23-01-2010.

ANNIE LAIBOVITZ

Anna-Lou Leibovitz, fotógrafa estadounidense nacida en 1949.

Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo, ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.
Es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, sin dejar de practicar la fotografía documental y de paisajes.

Sus magistrales retratos son un importante catalizador de la cultura de las celebrities de fin de siglo. No hay nadie, ya sea famoso o desconocido, que ose rechazar el objetivo de su cámara.

Ver más de su obra

INSTANTANEAS NAVIDEÑAS IN THE WORLD

La tónica de las fechas sigue imperando y para asomarse a la Navidad nada mejor que hacerlo detrás de un objetivo.

Yo no he podido viajar cámara en mano, pero viajando por el ciber espacio, he encontrado unas fotos muy bonitas de ciudades del mundo iluminadas y adornadas con decoración navideña.

Yo os dejo tres ciudades que me robaron el corazón, puedes ver más en Sobrefotos y 20minutos.

Como curiosidad comentar que la foto correspondiente a Trafalgar Square, Londres, es de un acto que se repite año tras año desde 1947. Se celebra que Noruega dona un árbol como recuerdo al agradecimiento de la ayuda prestada por Inglaterra durante la II Guerra Mundial.

CINE: DIRECCION DE FOTOGRAFIA

Inauguro una nueva sección en Flasearte: CINE.
Y que mejor paso de la fotografía al cine que haciendo referencia a la figura del director de fotografía.

La dirección de fotografía es la disciplina cinematográfica referida a las elecciones técnicas de iluminación y cámara durante la creación de una obra audiovisual. Se relaciona estrechamente con el arte de la fotografía aunque hay muchas cuestiones añadidas y diferencias entre ambas dadas las características de cada medio. En cine, el director de fotografía es la persona responsable de la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas. La labor que se lleva a cabo es la toma de decisiones respecto a la iluminación, ópticas, encuadre y composición, texturas, etc., en la creación de la imagen de la obra. Este trabajo se realiza mano a mano con el director y con otros miembros del equipo, como el director artístico, maquillador, diseñador de producción, etc. Entre ellos se llega a acuerdos respecto al tipo de imagen que requiere la historia y el modo de llegar a ella, dependiendo del género, la intención que se quiere transmitir, el tono, etc.
Este trabajo parte de la elección de los rollos de celuloide o el sensor digital. A lo largo del tiempo se ha producido una gran evolución en la mejora de las emulsiones y estructura del grano. Por lo que la elección del negativo es importante para que se adapte al tipo de producción, con respecto a la estética. En el mundo digital ya no puede aplicarse la elección de la emulsión, pero las cámaras tienen parámetros ajustables que van más allá de las elecciones del negativo.

REGALA FOTOGRAFIA EN NAVIDAD

Las fechas y la visita de los tres señores de oriente que llegan año tras año, imperan en la tradición del consumo de los regalos, pero, ¿quién puede quedar al margen? Y en vistas a que no se de nadie que conteste con un gran YO a mi pregunta, os voy a dar una idea: REGALA FOTOGRAFIA.
Regala sesiones fotográficas para tener un book propio, álbumes para guardar recuerdos, material fotográfico, y todo tipo de objetos personalizados con tus instantáneas preferidas como: calendarios, tazas, cojines, bolsas de almuerzo para niños, velas etc. ¿Cómo, no sabes como hacerlo? Pues pásate por Salzilloimagen y ellos se encargan, allí tendrás donde buscar y atención personalizada.
Salzilloimagen se encuentra en: C/Arquitecto Emilio Piñero, 12(cerca de la escuela de Artes y Oficios).Murcia.
Tlfn: 968232654

JACQUES HENRI LARTIGUE

Jacques Henri Lartigue(1894-1986), pintor que por hobby se acerca a la fotografía convirtiéndose en uno de los fotógrafos más particulares de la historia. Siendo una importante influencia para fotógrafos como Henri Cartier-Bresson, Richard Avedon o Helmut Newton.

Se inició con la cámara Brownie de Kodak que su padre le regaló a la edad de 7 años, a comienzos del SXX.
Gracias a la sólida riqueza familiar el joven disfrutó de una vida sin preocupaciones. Sus fotografías son un gran documento histórico acerca de la vida burguesa de principios de siglo.
Captura con su cámara los paseos de los parques de París en la belle époque, la gente disfrutando de la playa en los balnearios en la Costa Azul, los deportes de invierno en Saint Moritz, los acontecimientos de la revolución tecnológica, las carreras de automóviles, los comienzos de la aviación, etc.
Según la critica en su trabajo fotográfico se valora la espontaneidad, la sinceridad, el juego, la felicidad y la alegría de vivir como consecuencia de la inocente mirada de un fotógrafo adolescente.
Lo más llamativo es que consiguió preservar ese mismo espíritu a pesar del paso del tiempo. Se le consideró como a la fotografía amateur, coleccionista de momentos, de instantes del presente para impedirles disolverse en el olvido.

MALA UTILIZACION DE PHOTOSHOP

Actualmente contamos con miles de materiales e instrumentos para mejorar y conseguir los resultados deseados en cuanto a fotografía. El utilizar unos frente a otros en cuestión de preferencias. Pero siempre debe entrar en juego el sentido común y no perder ciertos aspectos de vista.
Esta entrada quiere hacer una crítica a los que perdieron ese sentido común, utilizando desmesuradamente la herramienta de Photoshop, en tantas y tantas imágenes.

Reciente mente surge la polémica por la portada protagonizada por La actriz Demi Moore en la revista estadounidense de "W", donde se puede observar que el ancho de su cadera no se corresponde con el ancho de pierna. ¿Natural o Photoshop? La pregunta queda lanzada, podeis leer más en: noticia.

JULIA MARGARET CAMERON

La inglesa Julia Margaret Cameron (1815-1879) fue una de las pocas mujeres de las que se tiene conocimiento en los comienzos de la fotografía. Se inicio por afición gracias a que su hija mayor le regaló una cámara para entretenerse en los largos periodos que su esposo estaba fuera a causa del trabajo.
Del hobby pasó casi a la obsesión, desde su primera foto, “Annie, My First Success”(1864), hasta su fallecimiento no dejó de hacer fotografías, trabajando de manera independiente y sin ánimo de lucro, usando el medio como fin artístico y libre de los cánones estéticos de la fotografía profesional de la época.
Al igual que el fotógrafo Nadar, retrató muchos personajes célebres de la época, la más famosa de sus modelos fue Julia Jackson, la madre de la escritora Virginia Woolf.
Le interesaban los retratos de mujeres en actitud introspectiva y contemplativa. Cultivó la fotografía alegórica academicista, ilustrando temas religiosos, literarios, poéticos y mitológicos conde en la mayoría de ocasiones los protagonistas eran sus familiares.
De su obra destacamos la pasión que ella misma sentía hacia la belleza del ideal femenino, aspirando a retratar la vida interior o “esencia espiritual”. Para ello se valió del flou, un efecto borroso mediante la aplicación de filtros en el objetivo, que sumía a las figuras en una cierta neblina que conseguía un aspecto vaporoso, sensación de pureza y melancolía.
Sin embargo su reconocimiento llegó póstumamente. Cameron se encontró con el rechazo de muchos de sus contemporáneos, criticándola por la imperfección de su técnica, su condición de amateur y la utilización del flou, impidiéndole entrar en la London Photographic Society. Pero sus fotografías han resistido el paso del tiempo y está considerada como una de las figuras que contribuyeron a lograr el estatuto artístico de la fotografía.

ILUMINACIÓN

Para la fotografía la iluminación actúa como factor imprescindible a la hora de captar instantáneas y es un gran elemento expresivo, pues ayuda al fotógrafo a resaltar los aspectos más significativos, tanto del escenario como de los modelos, creando escenas que transmitan diversas sensaciones.
Según la fuente de la que provenga la luz, podemos distinguir entre: luz natural y luz artificial. Y a raíz de esta premisa se abre un amplio abanico según la posición de dichos focos de luz. Para saber más puedes visitar:
Fotonostra o Iluminación en fotografía.
Para iluminar es importante seguir un esquema y para todos los que os interese, he encontrado un enlace donde aparecen ejemplos sobre la colocación de la cámara y los focos de luz con respecto al sujeto.
Enlace: Fotopunto.

BLANCO & NEGRO: RAMÓN MASATS

Ramón Masats, nació en Caldes de Montbui (Barcelona), en 1931.Su interés por el mundo de la fotografía comienza durante el Servicio Militar, donde aburrido descubre la revista Arte Fotográfico. Adquiere una cámara con el dinero que le sisa a su padre, hace sus primeras fotos y se inscribe en el Círculo Fotográfico del Casino del Comercio de Tarrasa.
Se inicia en el camino del reportaje en 1953, un año más tarde ingresa en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, compartiendo vivencias con colegas como Ricard Terré y Xavier Miserachs.
En 1957 se instala en Madrid y recorre España trabajando como reportero para la revista Gaceta Ilustrada. Ese mismo año ingresa en el Grupo AFAL, y junto a fotógrafos como Gabriel Cualladó, Gerardo Vielba o Paco Gómez crea el grupo La Palangana.
Ha trabajado para diferentes revistas y expone su trabajo tanto en exposiciones individuales como colectivas.
En 1960 recibe el Premio Negtor de fotografía. También expone con el Grupo El Paso en la Sala Biosca de Madrid.
En 1964 publica Viejas Historias de Castilla la Vieja con Miguel Delibes, expone con Carlos Saura en la Galería Juana Mordó y realiza su primer documental Prado Vivo, que gana el premio especial en Tahormina.
En 1965 dirige El que enseña, con el que gana el Premio Miqueldi de Plata en el Festival de Cinematografía de Bilbao.
Se aleja de la fotografía durante dieciocho años para dedicarse a la realización de Documentales para TVE, donde la temática general suelen ser los pueblos de España y sus costumbres. Cierra esta etapa con la realización del largometraje: Topical Spanish, regresando a la fotografía en 1981 y desde entonces ha publicado diversos libros, realizado trabajos para empresas e instituciones, incluidos varios documentales para la Exposición Universal de Sevilla de 1992.
Son múltiples las conferencias y exposiciones, tanto retrospectivas como de sus trabajos más recientes, en salas como el Círculo de Bellas Artes, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o la Real Fábrica de Tapices en Madrid, el Palau de La Virreina en Barcelona, el Palacio de la Magdalena en Santander, la Galería Marlborough de Madrid o las sedes del Instituto Cervantes en diversas ciudades del mundo.

IRVING PENN

Fotógrafo americano que revolucionó la iconografía de la moda a mediados del siglo XX, falleció a los 92 años de edad el pasado octubre en su apartamento de Nueva York. Penn cambió para siempre el mundo de la moda, al unir arte, publicidad, vanguardia y sentido comercial, abriendo el camino a otros fotógrafos estrella, como Richard Avedon o Mario Testino.
A los 17 años comenzó a estudiar diseño en la Escuela Museo de Arte Industrial de Filadelfia. Fue director artístico en los grandes almacenes Sacks de la Quinta Avenida. Luego se interesó por la pintura y la fotografía, transformando la fotografía de moda con vanguardistas enfoques, sencillez, el uso agresivo del contraste en el blanco y negro, y el tratamiento de los retratados como objetos. Su arte se mostró por medio de sus colaboraciones con Vogue.
En esa época, gracias al artista ruso, Alexander Liberman, Penn se inició en el uso meticuloso del color y la forma en las composiciones, y el tratamiento de la imagen artística como un objeto industrial. Su primera portada para Vogue fue en octubre de 1943, cuando aquella revista todavía no tenía la costumbre de llevar a famosos a su primera plana. Liberman le pidió que tomara una imagen de moda, y el fotógrafo pidió una cámara prestada y arregló un bodegón con un bolso de piel y tela marrón, un pañuelo gris, una lámina con cítricos y una nota colgada en una pared en que se anunciaban los contenidos del mes: "zapatos y accesorios". Fue el lanzamiento de su carrera. Como gran característica se observa es su trabajo la sencillez del "menos es más". Cualquier objeto fotografiado puede ser arte y lo reflejó fielmente en su obra.
En su obra de madurez se alejaría de la influencia del surrealismo y la vanguardia que imperó en la fotografía de moda hasta los años cuarenta, para presentar imágenes impactantes en su sencillez, modelos sobre fondos inmaculadamente blancos.
A Penn se le ha criticado por llevar hasta el límite aquel enfoque tan centrado en mostrar a la persona descontextualizada, tras las fotos en Latinoamérica y África.
Sus obras, hoy en día, se exhiben en los principales museos del mundo, incluidos el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, el Moderna Museet de Estocolmo, la National Gallery de Washington y el Art Institute de Chicago. Trabajó para Vogue hasta el final de sus días. En uno de sus últimos trabajos, una foto de un pomposo traje de Christian Lacroix en abril de 2008, volvía a aquel estilo que le hizo famoso: una modelo posando, con los ojos cerrados, sobre un fondo de papel blanco, arte en su sencillez.

BLANCO & NEGRO: ORIOL MASPONS

Fotógrafo catalán nacido en 1928. Perteneció a la Agrupación Fotográfica de Cataluña.
En 1956 entró a formar parte del consejo editorial de la revista AFAL. Publicó varias fotos en Arte fotográfico con motivo de la obtención de varios premios en concursos; en 1957 en el número 61 de esa revista definió el término salonismo para denunciar un tipo de fotografía pictorialista que sólo trataba de conseguir galardones dentro de una estructura de jurados de concursos muy ortodoxos. Sus trabajos junto a los de otros fotógrafos como Xavier Miserachs y Ramón Masats, llamados la Nova Vanguardia fueron publicados en la revista Imagen y Sonido. su obra también se publico en otras revistas especializadas en fotografía como Nueva Lente, Annual Photography o Photography Year Book, así como en prensa y revistas generales como Gaceta Ilustrada, etc.
Ha realizado numerosas exposiciones y algunas de sus fotos están expuestas en el MoMA.
Ha ilustrado portadas de diversas colecciones de libros y sus fotografías han ilustrado muchas obras literarias como: Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca (1966), La caza de la perdiz roja de Miguel Delibes, Els barcelonins, con Xavier Miserachs y Colita (1981), entre otros.
Fue maestro de Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita y de otros significados fotógrafos.
En 2006 recibió la Creu de Sant Jordi.

ANALISIS FOTOGRAFICO

El producto es el perfume llamado Nina, de Nina Ricci. El fotógrafo es el español Eugenio Recuenco.
El logotipo de la marca es la identidad verbal de dicha marca (Nina Ricci), y en cuanto a la representación gráfica del nombre de la marca, destaca por ser en color negro, con una escritura sencilla y delicada. El nombre del diseñador, de la marca (Nina Ricci) aparece en letras mayúsculas negras, bajo en nombre del producto.La tipografía del nombre del producto muestra unos trazos inclinados y ascendentes, creando sensación de movimiento
“Nina” es una mujer joven, graciosa y romántica, es la representación del hada en tiempos modernos. Está a la búsqueda de un aroma original, un filtro mágico con efluvios suaves y frutales. En esta búsqueda Nina Ricci ha creado Nina, un perfume como un cuento de hadas en un frasco con forma de manzana de amor. Un frasco llamativo y original que por su color rojizo-frambuesa y forma amanzanada, dan ganas de moderlo. El frasco con forma de una manzana tiene unas hojas de metal brillante.
El perfume posee un dulce aroma inconfundible, pensado para mujeres actuales y jóvenes que siguen jugando con la inocencia, la feminidad.

La fotografía del anuncio tiene como escenario una habitación blanca, amplia y luminosa. Como único personaje aparece Nina, una chica de piel blanca como la porcelana, rostro delicado y cabellos ondulados y largos. Viste un vestido de gasa vaporoso mezclando blancos con rosa palo. Evoca a la vez a la doncella y a la princesa de los cuentos de hadas, ataviada con un vestido de alta costura que encaja a la perfección con el imaginario que suscita el decorado.
El dibujo de las paredes y la iluminación hacen parecer que el espacio de la escena se pudiera extender al infinito. Encontramos al fondo, en el suelo de la puerta que ha atravesado, un montón de manzanas apiladas que cromáticamente se van acercando a la pieza clave de la composición, que es la manzana brillante que cuelga de la rama de un árbol, elemento que vuelve a llevarnos al mundo de la fantasía pues los árboles no crecen en las estancias de una casa.
La manzana se muestra a la vez como objeto de placer y fruto prohibido, por lo tanto sólo es una la que sigue colgando de la rama del árbol. Codiciada desde la primera mirada, no queda sino una en el árbol y la muchacha hará todo lo que pueda para cogerla.
El aspecto de la modelo es tan angelical que transmite una sensación de eterna juventud, calidez e inocencia. El lugar que ocupa en la foto es central y su tamaño es mayor que el del perfume y el logotipo.
El frasco aparece con el color de la pasión, como imán al que la protagonista no puede dejar de perseguir.
El color frambuesa del envase del perfume contrasta con el fondo de la fotografía y el vestido de la modelo. Se encuentra situado en la parte superior derecha en uno de los puntos de interés marcados por la regla de los tercios.
La localización del nombre del producto, con la marca y la única frase: “ The magical fragance from Nina Ricci”, se sitúan la parte central superior derecha. Esto hace totalmente legible la información, sin necesidad de perder de vista el resto de elementos del conjunto.
En cuanto a la perspectiva, no se aprecia volumen en la fotografía, y por lo tanto tampoco hay sombras. Aunque si encontramos profundidad desde la imagen principal del frasco de perfumen, la figura de la modelo y el fondo de la habitación.
Dentro del encuadre se encuentra la chica como imagen central que va avanzando hacia la cámara pero la mirada la dirige a la parte superior derecha donde se encuentra el objeto de su deseo, la manzana, que adquiere una dimensión mayor con respecto a las que aparecen en el suelo ya que se encuentra en primer término. Encontramos también una rama del árbol en la parte superior izquierda.
En la angulación encontramos que el ángulo está inclinado, pues la base de la imagen y el horizonte divergen hacia la izquierda perdiendo la paralela horizontal de la realidad encuadrada. La angulación del perfume como contraposición es recto, paralelo al suelo, conservando su verticalidad.
El plano de la fotografía es un Plan General Corto por la descripción del personaje, pero parece mutar al Plano de Conjunto por el exceso de aire que encontramos entre la cabeza del personaje y el borde superior.
Sobre la Altura, el nivel de la cámara respecto ala mirada, utiliza un contrapicado, esto le confiere al sujeto ese halo de misterio propios de la historias de hadas.
En relación a la composición, reconocemos una temática de cuento de magia, con un fondo sencillo, con información pero sin distraer la atención principal y sin elementos superfluos. Aunque la cámara no se acerca directamente al sujeto, consigue gran fuerza compositiva la mirada de la modelo hacia la manzana, proporcionando un efecto fuera de campo.
En cuanto al tratamiento de la luz, podemos observar que es suave y se ha utilizado luz difusa o no directa, para conseguir esa gran área de iluminación difuminada.
En cuanto a los sujetos la chica aparece menos iluminada que el perfume, para transmitir la idea de que el perfume es el protagonista de la escena. La luz en el frasco es directamente frontal.
La imagen es en color aunque predominan los blancos y la gama de rosas pastel hasta la intensa frambuesa.
El tratamiento de la fotografía es artístico, se trata de una imagen publicitaria y está retocada para conseguir la inserción de la marca y el nombre del producto, y para equilibrar la composición.

BLANCO & NEGRO: CHEMA MADOZ

Fotógrafo madrileño que nos adentra en nuevos mundos partiendo de lo cotidiano, lo evidente.

Con su cámara nos muestra un continuo juego de metáforas visuales, que reconocemos y nos sorprenden a la vez por su gran sencillez.

Contemplamos en su trabajo gran maestría para representar naturaleza muerta.

Visítalo en Chema Madoz

LOS RETRATOS DE NADAR

El francés Gaspard-Félix Tournachon, más conocido como Nadar (1820 - 1910), fue uno de los retratistas más importantes de la historia de la fotografía. Trabajó como periodista, ilustrador, caricaturista y era licenciado en medicina.
Se inició en este mundo a los 30 años cuando un compañero le anima a comprar una cámara y comienza a trabajar con placas de cristal al colodión.
El en1854 abre un estudio fotográfico en París que en 1860 trasladaría al barrio de moda de la época. Sus ideas sobre el retrato lo alejaban de los criterios más comerciales, intentó capturar la personalidad, el carácter de los modelos retratados, por lo que evitaba influir en las poses dejando gran libertad. Fotografiaba a sus amigos y a las celebridades de la época contra fondos lisos, bajo una alta claraboya, normalmente de pie y a tres cuartos de cuerpo.
No retocaba las fotografías y prescindía de adornos superfluos y elementos de atrezzo.
Su estudio fue el marco de reuniones de pensamiento político liberal y lugar de la primera exposición de los impresionistas en 1874.
Cabe destacar las fotografías de luz artificial (iluminación de magnesio) que realizó en las catacumbas y el alcantarillado de París. Y las primeras tomas aéreas realizadas en la misma cuidad desde un globo (por los que tenía gran obsesión).

En 1856 escribió:
" La Fotografía es un descubrimiento maravilloso, una ciencia que ha atraído a los mayores intelectos ,un arte que excita a las mentes mas astutas.......y que puede ser practicado por cualquier imbécil....La teoría fotográfica puede ser enseñada en una hora y su técnica básica en un día. Pero lo que no puede ser enseñado es tener el sentimiento de la luz.....Es la forma en que la luz cae sobre el rostro lo que usted como artista debe capturar .Ni tampoco puede ser enseñado cómo captar la personalidad de cada persona. Para producir un parecido intimo, y no un retrato trivial ni el resultado de un mero azar, usted debe ponerse en comunión con esa persona, medir sus pensamientos y su carácter mismo"

CALENDARIO PIRELLI 2010

Este año el famoso calendario vuelve a sus exóticos orígenes rememorando aquellas sugerentes imágenes de los 60 y 70, cuando las modelos eran retratadas en playas salvajes de forma natural.
Encierra entre sus páginas 11 'tops' que se han sometido a la provocadora mirada del fotógrafo Terry Richardson, quien acostumbra a moverse en el reino de lo explícito. El escenario para la ocasión han sido las paradisíacas playas brasileñas de Porto Seguro.
Richardson se inspira en sus fotografías personales para sus trabajos comerciales, aunque a estos les aplica una cierta moderación.
El calendario Pirelli encierra gran erotismo sin pasar por el Photoshop ya que este fotógrafo tiene gran gusto por fotografiar la realidad tal cual.
La presentación tuvo lugar el pasado 19 de noviembre en Londres.

BLANCO & NEGRO: RICARD TERRÉ

Comenzó en el mundo del arte como pintor y caricaturista. En 1955 comienza a practicar la fotografía y entra en contacto con miembros de la Agrupación Fotográfica de Cataluña donde coincidiría con Xavier Miserachs y Ramón Masats.









Dentro de su imaginario fotográfico encontramos: la infancia, la muerte, el carnaval...
Concibe la coherencia como una fidelidad ciega a una serie. En vez de avanzar en línea recta, separándose del origen, su obra se desarrolla en espiral.
Sus trabajos están influenciados por fotógrafos extranjeros como Robert Frank, William Klein, Henri Cartier-Bresson o Eugène Smith.


En 1960 abandonó la fotografía por un largo periodo de tiempo.
En 1982 volvió a la actividad fotográfica, participando en diferentes exposiciones individuales y colectivas en España y el extranjero.
En 2008 recibe el premio Bartolomé Ros a su trayectoria profesional en PHotoEspaña
Falleció el 29 de octubre de 2009 en Vigo, tras sufrir una larga enfermedad.